Les 10 meilleurs films d’Alfred Hitchcock Movies

Publié par emma le septembre 9, 2018 | Maj le octobre 6, 2018

Chaque fois que les conversations de film geek se tournent vers le sujet des plus grands réalisateurs britanniques, quelques réponses surgissent fréquemment : Charlie Chaplin, David Lean, Nicolas Roeg et Michael Powell ne sont qu’une poignée de potentiels, mais il y a un homme dont l’impact sur l’histoire du cinéma dépasse presque tous les concurrents : Alfred Hitchcock.

Né à l’aube du XXe siècle, Hitchcock en est venu à définir des genres cinématographiques entiers dans une carrière qui s’est étalée sur plus de 50 ans et plus de 50 films. Son œuvre – sans parler de son corps en rotonde – est à la fois immense et iconique, pleine de thrillers tendus, de psychodrames et de films d’aventure qui n’étaient pas seulement très populaires à l’époque, mais qui ont inspiré à la fois la réévaluation critique et les nouvelles générations de cinéastes des années suivantes.

Les critiques français de la Nouvelle Vague ont choisi Hitchcock comme exemple pour leur théorie de l’auteur, une façon de lire les films qui met en évidence l’autorité créative du réalisateur sur toutes les autres influences. Comme toute théorie critique fêlée, l’auteurisme devient un peu masturbatoire et imprécis lorsqu’il est appliqué de façon générale, et son mépris envers d’autres aspects du processus créatif est carrément peu généreux. Mais il y a quelque chose dans un film de Hitchcock – l’esprit sec, les thèmes récurrents, la volonté d’expérimenter avec la forme d’art – qui est indéniablement distinctif. En effet, le génie de la carrière d’Hitchcock peut être assez écrasant à voir.

Par où commencer ? Eh bien, vous pourriez faire bien pire que de lire notre liste des 10 meilleurs clics d’attelage.

Rebecca

Alors que Hitchcock est considéré comme l’un des véritables auteurs de l’histoire du cinéma, son premier long métrage hollywoodien est, à bien des égards, un film de studio, puisqu’il s’agit de son premier film réalisé sous contrat avec David O. Selznick. En 1940, ce producteur légendaire s’était fait un nom en créant de somptueuses adaptations d’épopées littéraires, comme Anna Karenina, A Tale of Two Cities, et l’Oscar-nabbing Gone with the Wind.&nbsp ;

Rebecca, adaptée du roman de Daphné du Maurier du même nom, n’est pas différente. Les fleurs typiques de Hitchcock, comme les sensations fortes d’aventure et l’humour, sont absentes. Mais à leur place, il y a un suspense psychologique, car la protagoniste anonyme de Joan Fontaine est traquée par le souvenir de son nouveau mari (Lawrence Olivier, tout juste sorti de son tour en Heathcliff dans Wuthering Heights de William Wyler), morte, ex-épouse.

Il a certainement convaincu l’Académie, qui a honoré le film dans 11 catégories d’Oscar, et lui a décerné le prix de la meilleure photographie en noir et blanc (pour la gloire gothique de George Barnes) et de la meilleure image. Ce prix, bien sûr, a été décerné à Selznick tandis que Hitchcock a dû se contenter de la première de ses cinq nominations au titre de Meilleur réalisateur.

L’Ombre d’un doute

Trois ans après Rebecca, Hitchcock a perfectionné son style sombre et suspense avec Shadow of a Doubt, mais le film a une qualité plutôt unique en rétrospective. Ici, le protagoniste suspect est une adolescente. Charlie (Teresa Wright) s’ennuie complètement avec sa vie en banlieue californienne jusqu’à ce que son oncle rebelle Charlie (Joseph Cotten) – son homonyme – arrive, avec des rapports de meurtre le suivant depuis la grande ville.

Tandis que Shadow of a Doubt contient les tropes familiers d’Hitchcockian de tromperie et de meurtres en série, l’absence d’environnements urbains, l’espionnage international et la tension sexuelle vaporeuse donne au film un véritable avantage. En tant que Charlie le Jeune, Teresa Wright est l’héroïne la plus vulnérable d’Hitchcock, mais elle est aussi la plus intelligente et la plus capable, comme le montre sa lente enquête sur les activités de son oncle. Dans un canon plein de femmes fatales et de victimes de meurtre, elle se démarque. Comme c’est le cas, il faut le noter, Joseph Cotten, qui utilise sa manière joviale et charmante pour un effet tout à fait effrayant.

La femme disparaît

Ou, comme on devrait peut-être l’appeler, “Les espions dans un train.” En 1938, l’Europe était au bord de la guerre, et Hitchcock, après plus d’une décennie de succès palpitant et novateur dans son pays natal, était sur le point de faire le saut transatlantique vers Hollywood. La femme disparaît n’est peut-être pas son dernier film britannique (ce serait Jamaica Inn), mais c’est certainement un dernier hourra pour les aventures pleines d’esprit et à lèvres raides auxquelles il a excellé pendant une bonne partie des années 30 ;

Margaret Lockwood et Michael Redgrave sont deux passagers d’un train Trans-Europe Express qui doivent élucider le mystère de la disparition d’un vieil être cher et les secrets militaires qui pourraient changer le cours de l’histoire. Mais la scène est résolument volée par Basil Radford et Naunton Wayne, qui apparaissent comme Charters et Caldicott, une paire de prim britanniques qui ont leur propre crise : le match d’essai à Manchester.

Mais qui a tué Harry ?

Sporting l’un des meilleurs slogans de l’histoire du cinéma -‘Une comédie sur un cadavre’ ! – Mais qui a tué Harry ?est considéré comme l’une des principales diversions cinématographiques d’Hitchcock, et l’un des plus gros échecs financiers de sa carrière. Le temps, cependant, a été gentil avec cette curiosité excentrique, lui permettant de s’asseoir confortablement à côté de comédies sombres comme Harold & Maude et Heathers.

Mais qui a tué Harry ?, en fait, c’est qu’il est mort, et il semble que n’importe lequel d’une poignée de citadins ruraux aurait pu le tuer. Mais qui a fait l’acte ? Était-ce la vieille fille, le capitaine à la retraite, ou peut-être l’épouse de Harry (jouée par une charmante Shirley MacLaine, dans son premier rôle principal) ?

Les films d’Hitchcock ont toujours fait preuve d’une grande comédie noire, mais ici le réalisateur s’est laissé aller à son penchant pour l’humour de potence, notamment dans les nombreuses scènes où les trois suspects conspirent pour cacher le cadavre à l’homme de loi local trop zélé. Si ses nombreux thrillers meurtre-mystère ont traité son sujet sombre avec tension dans sa forme la plus tragique, Mais qui a tué Harry ? le voit dans sa forme la plus farfelue.

La Corde

Comme Mais qui a tué Harry ?, La corde s’occupe des suites d’un meurtre. L’énigmatique bande-annonce, qui présente une courte scène entre un jeune homme et sa fiancée, déclare : ” C’est la dernière fois qu’elle le verra vivant. Et c’est la dernière fois que VOUS le verrez vivant. En effet, le meurtre lui-même est commis dans le premier plan du film, et à partir de là, tout le film se déroule dans un loft new-yorkais à la mode où les meurtriers du couple homicide – un John Dall délicieusement malin et un Farley Granger émotionnellement fragile – s’habituent à leurs actions.

Contrairement à l’humour loufoque de Harry, Hitchcock tord la situation pour toute la tension qu’il peut avoir, alors que les invités au dîner inondent l’appartement, et la manière arrogante de Dall commence à se râper sur Granger. James Stewart, dans son premier rôle de Hitchcock, joue contre le type, en tant qu’ancien maître d’école des garçons, dont la vision cynique et nihiliste du monde aurait pu inspirer le meurtre ;

C’est une installation brillante, parfaitement exécutée par un réalisateur qui, à l’époque, avait déjà acquis une réputation de Maître du Suspense, mais La corde se distingue par un épanouissement incroyablement ambitieux. Des années avant que le cinéma numérique ne permette des expériences comme Russian Ark et Timecode, Hitchcock envisageait La corde comme un seul plan ininterrompu, utilisant des mouvements de caméra et des coupes masquées pour mieux capter l’attention du public dans un seul endroit, et pour inspirer la claustrophobie alors que la tension frémissante commence à bouillir.

Beaucoup est fait des expériences formelles d’Hitchcock, qui comprenaient des miniatures méticuleuses, des effets de caméra, et même une alliance avec la 3D, mais La corde qui fut aussi son premier film couleur, est ce cas rare où le risque technique est extrêmement payant.

Les 39 Marches

Les films britanniques d’Hitchcock sont souvent négligés en faveur de son apogée hollywoodienne, mais tous les aspects de son personnage cinématographique peuvent être vus dans les 13 années fertiles qui ont précédé sa traversée de l’Atlantique, lorsqu’il a réalisé certains des meilleurs films d’avant-guerre du Royaume-Uni. Les 39 Marches est le meilleur du lot, en prenant le roman d’aventure source de John Buchan et en le transformant en un caper cross-country, alors que Richard Hannay (un Robert Donat superbement suave) trébuche dans un mystère impliquant des assassins, des secrets militaires et un music-hall performer avec une mémoire photographique.

Typique des premiers Hitchcock, Les 39 Marches a été brutalement efficace, avec une structure narrative épurée qui vous a fait parcourir la carte littérale et métaphorique, de Londres à l’Écosse et vice-versa, englobant à la fois une course-poursuite à travers le pays, un complot d’espionnage twisty concernant le plus insignifiant des MacGuffins (spécifications de conception pour un moteur d’avion silencieux), et même un peu de romance de screwball, sans doute influencé par l’archétype de Frank Capra, It Happened One Night. De même, après le film précédent de Hitchcock, The Man Who Knew Too Much, qui utilisait le Royal Albert Hall de Londres avec beaucoup d’effet, Les 39 Marches présentait des séquences passionnantes dans le London Palladium et, plus particulièrement, sur le Forth Bridge. Et tout cela en 86 minutes seulement. Prenez note, Chris Nolan.

Sueurs froides

Que reste-t-il à dire sur Sueurs froides ? Chaque image de ce film a été extraite, versée et analysée à tel point que, malgré sa réputation durable, il est facile d’oublier qu’il s’agit d’un film incroyable en soi – un noir de lumière du jour qui prend une tournure inattendue dans un territoire psychologique surréaliste et troublant.

James Stewart joue le rôle de Scottie, un détective à la retraite de San Francisco qui se trouve dans une nouvelle affaire, enquêtant sur les affirmations de la femme d’un vieil ami selon lesquelles elle est possédée par l’esprit de son arrière-grand-mère. A partir de là, les choses deviennent de plus en plus bizarres, car les thèmes préférés de Hitchcock, à savoir le meurtre, la folie et l’obsession, sont élevés à des niveaux proches de ceux de l’opéra.

Sueurs froides a inspiré des générations de cinéastes, du regretté réalisateur français Chris Marker à David Lynch, le roi du cauchemar mondain. En effet, Scottie n’est pas sans rappeler une version adulte du snooper adolescent de Kyle MacLachlan dans Blue Velvet, et la façon dont Hitchcock joue avec le personnage de Gee-whizz de Stewart, alors que l’obsession tordue de Scottie avec Madeleine (interprétée par Kim Novak, la blonde glacée la plus en vue du réalisateur) le fait passer du bon vieux type à un monstre inconvenant, a beaucoup en commun avec la prédilection de Lynch pour révéler la la la laideur cachée derrière l’innocence.

Mais, malgré tout ce drame puissant, Sueurs froides continue d’exposer la comédie inattendue et sous-entendue qui apparaît si souvent dans les films d’Hitchcock. Scottie’s long-suffering ex-petite amie, le peintre garçon manqué Midge, est une dame de soutien Hitchcockian classique, pleine d’humour et de plaisanteries ludiques. Et le point culminant du film, tout en offrant d’une part une résolution passionnante de l’intrigue, du thème et du personnage, met en scène l’un des non-sequiturs les plus drôles de l’histoire du cinéma : la mort par une nonne maladroite.

Fenêtre sur cour

Un James Stewart en fauteuil roulant, convalescent dans son appartement avec seulement son appareil photo pour la compagnie, tourne le regard de son journaliste sur les résidents voisins de son immeuble. Un jour, il aperçoit ce qui ressemble à un homme assassinant sa femme. Mais ses yeux lui jouent des tours ?

Fenêtre sur cour est un autre film emblématique, né d’une poignée d’idées cinématographiques brillantes. Un lieu unique, une cabine-fièvre, un meurtre près de chez lui et un protagoniste vulnérable dont la curiosité le met en grand danger. Chacun se complète l’un l’autre pour créer un thriller qui est aussi unifié et aussi finement conçu que son ensemble complexe de cours d’immeubles d’appartements.

C’est le témoignage de la simplicité évocatrice de la vanité narrative du film (pillé à partir d’une nouvelle de l’écrivain Cornell Woolrich intitulée It Had to be Murder) qui a permis à Fenêtre sur cour de rester un point de référence pour des générations de cinéastes et d’écrivains de télévision. Même récemment, dans The Amazing Spider-Man, l’affiche du film de Fenêtre sur cour a été utilisée comme raccourci visuel – apparaissant sur le mur de la chambre à coucher de Peter Parker comme un indice rapide de l’obsession photographique du personnage pour Gwen Stacy. C’était un lien soigné à faire, mais seulement à cause de la résonance non atténuée de la fenêtre arrière.

Psycho

Psycho est un classique incontesté de l’horreur. Son impact n’est que légèrement diminué par le fait que presque tous ses moments emblématiques ont été parodiés, échantillonnés et arrachés à maintes reprises au cours des 50 dernières années. Les arrangements de Bernard Herrmann, les arrangements de cordes aiguisées comme des rasoirs, le virage vraiment effrayant d’Anthony Perkins dans le rôle du timide et charmant tueur Norman Bates, et le meurtre effroyable de Janet Leigh sous la douche sont tous très familiers. Même si vous n’êtes pas un amateur d’horreur, il n’en demeure pas moins essentiel.

Tourné avec un budget beaucoup plus petit que les films précédents de Hitchcock, et en utilisant l’équipe soudée qu’il avait formé sur son émission de télévision Alfred Hitchcock Presents, Psycho était un thriller maigre, efficace et inspiré qui a sans doute donné naissance à un genre à part entière. Et ça a payé.

Fait pour seulement 800 000 $ – moins du quart du coût de son prédécesseur immédiat, North By Northwest – Psycho a rapporté plus de 30 millions de dollars sur sa longue période de production et a fourni à Universal une propriété qu’elle a continué à traire jusqu’à ce jour. Mais, plus que tout, il s’agissait de la riposte la plus audacieuse d’Hitchcock au Code de production, livrant un film excitant et excitant qui traitait des sujets horribles avec intelligence et art. Jumelé à des films similaires de l’époque, comme Anatomie d’un meurtre d’Otto Preminger, il a aidé à sonner le glas de l’institution la plus conservatrice d’Hollywood.

La Mort aux trousses

Le meilleur film jamais réalisé ? C’est certainement le meilleur film jamais réalisé sur rien du tout. S’inspirant à la fois de The Lady Vanishes et de The 39 Steps, Hitchcock a transformé son archétype MacGuffin en une merveille glorieuse, technicolor, qui enchante et enchante tout autant ;

Mais ce qui distingue La Mort aux trousses de ses prédécesseurs britanniques, autre qu’une partition de Bernard Herrmann et le sens de l’échelle qui découle de la prise en charge de l’ensemble de l’entreprise aux États-Unis – un choix qui culmine dans un combat iconique sur la ou les falaises du Mont Rushmore – c’est l’originalité et la gentillesse de son chef de file, Cary Grant.

Bien sûr, à l’époque de La Mort aux trousses, Grant était une icône d’Hollywood. Il est, selon les mots de Pauline Kael, ” l’objet d’amour masculin ” dont la vedette reposait sur une sexualité sophistiquée et gracieuse. Mais sa performance en tant que Roger Thornhill, le publicitaire de Madison Avenue qui est pris pour un espion, repose tout autant sur la sophistication de Grant, et la façon dont il porte ce costume emblématique, que sur son sens du timing comique ;

Après tout, l’homme était autrefois Archibald Leach, le gobelet vaude villien né à Bristol qui, comme Hitchcock, s’est envolé pour Hollywood à la recherche d’une méga vedette. Et c’est ce flair comique – les chutes de Thornhill, ses faux pas et, par-dessus tout, sa relation henpecked avec sa mère autoritaire – qui élève North By Northwest au sommet de la tradition hollywoodienne du spectacle d’envergure continentale. À bien des égards, le film a ouvert la voie à James Bond, Indiana Jones et à de nombreux thrillers d’action qui remplissent chaque année nos multiplexes locaux, mais peu d’entre eux sont aussi glissants, étonnants et aussi stupides que North By Northwest ;

 

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