Le cinéma d’aujourd’hui

Publié par emma le septembre 16, 2018 | Maj le octobre 6, 2018

Partiellement marqué par les événements des années 1970 (Watergate, Vietnam, fin du mouvement hippie), le cinéma de l’époque était devenu plus sombre, avec des films légendaires comme Le Parrain, Apocalypse Now et Cabaret, pour n’en citer que quelques-uns. Comme pour les films de divertissement simples, les films catastrophiques sont devenus à la mode, comme Airport et The Flaming Colossus, le producteur Irwin Allen exploitant le genre à la limite.

L’arrivée des blockbusters dans le cinéma

Cependant, en 1977, le cinéaste George Lucas, avec son film Star Wars, a changé cela pour toujours. Lucas a passé un accord avec Fox, ce que les dirigeants du studio ont trouvé très avantageux, Fox prenant les bénéfices pour le film, et Lucas pour la commercialisation ; en raison des résultats ultérieurs, bien meilleurs pour Lucas que pour Fox, les studios ont compris que les films pouvaient être exploités économiquement d’une manière beaucoup plus large qu’ils ne l’avaient été jusqu’à présent. C’est ainsi qu’est né le concept moderne de blockbuster, un film vendu comme “première de saison”, qui sera un grand succès au box-office, et qui sera le principal véhicule pour la vente de marketing extensif, par l’octroi d’une franchise sur le film et ses personnages, aux magasins de jouets qui vendront des figurines avec le personnage, aux chaînes de restauration rapide qui feront des promotions, etc. Certains de ces premiers films, exploités avec plus ou moins d’habileté en tant que blockbusters modernes, étaient de Steven Spielberg ou Superman de Richard Donner ; en 1981, George Lucas et Steven Spielberg ont uni leurs forces pour une nouvelle franchise, celle d’Indiana Jones.

Le concept du film en tant que franchise a également développé le concept de suite. Il y en avait avant (The Godfather II, The Bride of Frankenstein, etc.), et même une franchise cinématographique comme James Bond avait accumulé le montant respectable d’une douzaine de versements, mais avec des suites comme Superman II, Rocky II ou Star Wars, épisode V : L’Empire contre-attaque, penser aux films comme des événements avec une continuation possible pour exploiter la franchise n’était plus exceptionnel, pour devenir la norme. D’autre part, le cinéma est devenu plus léger, perdant de la profondeur.

Cinéma commercial et cinéma d’art et d’essai

Au fur et à mesure que les films hollywoodiens devenaient de plus en plus grands et de plus en plus minces dans leur contenu, le cinéma d’autres régions a réagi à son tour. Ainsi, le fossé entre le cinéma dit commercial, dont la principale usine reste les États-Unis, et le cinéma d’art et d’essai, produit en plus grande abondance dans d’autres régions du monde, s’est creusé. Il y avait plusieurs raisons à cela. D’une part, le cinéma commercial est devenu de plus en plus cher à produire, et donc moins de sociétés de production peuvent y entrer (principalement en provenance des États-Unis) ; même si cette tendance s’est partiellement inversée avec l’essor de l’informatique, comme en témoignent les films commerciaux européens comme ceux fabriqués par Luc Besson (Nikita, Les 5 éléments), par exemple. Deuxièmement, la réalisation de films à contenu artistique a été transformée pour les cercles culturels européens, latino-américains ou asiatiques en une sorte de bannière culturelle, pour s’opposer à la culture des États-Unis. Cependant, cette ligne de démarcation, très marquée dans les années 1980 et 1990, s’est diluée au XXIe siècle, car les nouvelles possibilités des effets spéciaux informatiques et du cinéma numérique ont permis de réduire les coûts des films commerciaux. De plus, le cinéma d’art et d’essai n’a jamais complètement disparu des États-Unis, comme en témoigne un cinéaste comme David Lynch (Blue Velvet, Twin Peaks), qui a de toute façon dû recourir à la capitale européenne pour beaucoup de ses films.

Cette ligne de démarcation a été observée en particulier dans le domaine des adjudications. Les films “commerciaux” visent principalement à gagner l’Oscar, tandis que ceux qui ont une vocation “cinéma” tendent à rechercher une reconnaissance à Cannes, Berlin ou Venise. Ce n’est pas encore une règle absolue, car il y avait des films “commerciaux” qui cherchaient une reconnaissance artistique à Cannes (par exemple Shakespeare in Love), et des cinéastes “artistiques” qui cherchaient une publicité à Hollywood (par exemple Pedro Almodóvar).

Le mouvement le plus important lié au cinéma européen de l’époque était le Dogme 95. En réaction au cinéma commercial, ils ont postulé un cinéma naturaliste, sans effets sonores ni bande sonore, avec des performances plutôt spontanées, et filmé avec un éclairage naturel. Cela a été rendu possible en grande partie grâce à l’avènement de l’appareil photo numérique. Idéologiquement, le Dogme 95 s’inscrivait dans la ligne intellectuelle de la critique de la bourgeoisie, si chère au cinéma européen après la seconde guerre mondiale. Rien de tout cela n’était nouveau, car en son temps, le néoréalisme avait adopté des hypothèses très similaires, et pour des raisons similaires. Et pour des raisons similaires aussi, le Dogme 95 a eu une vie très courte, et ses adeptes sont lentement revenus aux usages habituels du cinéma, bien que les cinéastes formés sur ses avant-toits aient exercé une influence culturelle marquée. Le plus connu d’entre eux est Lars von Trier, qui s’est de toute façon séparé du mouvement.

Bollywood, le Hollywood de l’Inde

L’émergence de Bollywood en Inde mérite une mention spéciale. Dès 1913, un studio dirigé par Dadahaseb Phalké a été créé et a produit une trentaine de films en dix ans. Cependant, c’est avec Alam Ara (1931), le premier film sonore indien, qu’il a marqué un avant et un après, créant l’une des traditions les plus caractéristiques de Bollywood : le poids des nombres musicaux dans les films. Depuis lors, plusieurs centres de production se sont répandus dans toute l’Inde, se spécialisant dans le cinéma historique et les blockbusters à Mumbai, les drames romantiques à Poona et la fantaisie à Calcutta. La barrière de la langue dans un sous-continent avec des centaines de langues a fait que le cinéma occidental atteint à peine ces terres, mais la grande population a permis à ce marché du film d’être pratiquement autosuffisant, de sorte que Bollywood s’est développé parallèlement et de manière autonome à Hollywood, européen ou soviétique, développant ses propres codes et canons, parfois extrêmement étrangers aux spectateurs occidentaux, mais qui lui donnent une saveur unique au sein du cinéma mondial.

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